Искусство и дизайн — страница 11

Ну что, дошло дело до обложки.Рассказываю, как это происходит изнутри.Когда третий роман был готов, меня попросили описать героиню и поделиться тем, как я вижу обложку. Описал, поделился.И вот — процесс пошёл.Верхний ряд — первые грубые наброски по моему описанию. Уже на этом этапе стало понятно: и девушку, и фон нужно менять.Нижний ряд — то, что, скорее всего, ляжет в основу финального варианта. Мне кажется, уже теплее.Скоро покажу готовую обложку!А пока хочу узнать ваше мнение: в том ли направлении мы двигаемся?

Как вязать итальянскую резинку по кругуСохраняйте в закладки🔗 Мы в MAXВяжем носочкиНаш чат#узоры

Слияние в Figma by alena.kolesnicovaПошаговый туториал по слиянию элементов в Figma с помощью стандартных функций#figma #туториал

В своих картинах Катерина Пахомова воспевает радость жизни и красоту повседневных мгновений. Ее работы отличаются ярким стилем, сочетающем в себе насыщенные цвета, упрощенные формы и выразительные композиции.→ каталог работ Катерины ПахомовойХудожественная практика Катерины сосредоточена на исследовании эмоционального опыта момента, поэтому в ее работах часто можно встретить цветочные мотивы, птиц, натюрморты с сочными фруктами и элегантные женские образы.Смотрите каталог работ на bizar.art

Когда ты находишься в море под названием «работа на себя», важно иметь примерно 5 разных работ (в народе называемых шабашек), чтобы не вылететь в денежную трубу.Ну вот я, периодически пишу статьи в разные журналы) Недавно, вышла одна из моих статей в новом медиа от Отелло — Номер. Кстати, у меня есть печатный журнал Номера, и это очень хорошо! При всём моём непонимании существования печатных журналов Номер уверенно занимаем место на моем книжном стеллаже.Так вот, в статье соединила финскую культуру и Петербург. Кстати, некоторые фото в статье сделаны мной) Уверена, вы найдете для себя довольно необычные места построенные финнами или связанные с Финляндией в Петербурге и Лен. области. Короче говоря, мастрид! И пишите комментарии как вам)#рекомендация

Вчера у меня было день рождения. За окном под тяжестью мокрого снега и порывами ветра клонились деревья. В аптекарском рухнула ива, изначально хотелось именно туда. Погода внесла свои коррективы и мы остались дома смотреть «Дитя погоды» Макото Синкая.В Японии весенний снег в день рождения считается символом мимолетности, внутренней силы и прощания с прошлым. Вчерашний снегопад был похож на «ботан-юки», так называемый пионовый снег, считается это редкий и драгоценный дар природы. Среди прочих подарков у меня появилась книга Rinko Kawauchi. Долго засматривалась на неё и не думала что однажды она будет в моей скромной коллекции.И вот теперь я перелистываю её страницы. В воздухе плывет аромат кедра от Nippon Kodo и чего-то неуловимого. Ощущение что я очаровывалась этим ароматом в далёком прошлом, которое вспомнить невозможно. Но такие отголоски знакомого разливаются теплом. Благовоние потухла, день рождения прошёл, снег продолжается - так же, как и этот день. А значит всё уже здесь, и что-то будет.

На дворе конец апреля, а за окнами не «волшебная пурга». В такую погоду деревянные «Северные олени» Николая Полисского в Третьяковке на Кадашёвской набережной смотрятся предельно уместно.Это стадо, грубо рубленное топорами в соавторстве с николо-ленивецкими мастерами, явно знает толк в плохой погоде. Они составные, на шарнирах, тёмное дерево, обработанное антисептиком с пигментом, выглядит так, будто олени тоже слегка промокли под этим недоапрелем, но держатся с достоинством коренных северян)И вот что забавно: художник задумал их как «взрослую игрушку», шарниры позволяют придавать каждому животному любую позу. В обычный солнечный день это, наверное, выглядит как арт-терапия. А в такую аномальную погоду олени будто напоминают, кто они такие на самом деле: тотемные животные коренных народов Севера, рядом с которыми любая апрельская слякоть нипочём.#были_лично #николайполисский #третьяковскаягалерея

Рандомная рекомендация: не покупайте столы с черной столешницей, если не планируете их ставить в стерильное помещение. На нем видно всё: следы от рук, пыль, волосы. Каждый день работа начинается с протирки поверхности

Где лучше выставляться? С кем?Логичный вопрос после моего предыдущего поста 😉Спасибо художникам из сообщества, что поддержали меня и мою откровенность) Любой опыт — опыт, значит, он был мне нужен, а моя огласка нужна Вам.Дорогие, Арт Москва и Арт Россия — потрясающие выставки и огромные возможности для художников. Это масштабные мероприятия, к которым надо реально готовиться: арендовать мебель, продумывать концепт стенда и так далее.На Арт России я участвовала впервые и сразу с отдельным стендом! У меня не было ни связей, ни возможностей сотрудничать с мебельщиками. Я делала всё просто, но в своём стиле, осознавая, что это невероятно важно.У меня даже на демонтаже украли вазу под тюльпаны 🙈 и салфетки небесно-голубого цвета))) Всю выставку мою керамику на столе хотел купить каждый второй — но это был просто декор! Лимоны в ящиках (для тактильных ощущений) у меня тоже растащили, и все фотографировались возле них как с частью инсталляции!Вот моменты, которые я подметила для себя на будущее и рада поделиться:🍋 Фрукты, ягоды на стенде, конфетки для зрителей — обязательно.🌸 Цветы — это жизнь, цвет, настроение.🎶 Колонка с лёгкой музыкой (ну или не лёгкой — я вот под свою танцевала 😅).👃 Ароматы! Ученица Светлана (аромапрактик) привезла миксы с цитрусами и другими нотами. Это правда классное дополнение.🪑 Мебель — люди приходят на выставки наполняться на месяцы вперёд, а коллеги — за вдохновением. Они фотографируют картины, и эстетические моменты важны: пусть в кадр попадает только красивое.💡 Свет на стенде — тёплый, направленный. Мне особенно понравилось решение галереи «Добро» на Арт Москве — оно было самым правильным. На Арт России я не учла этот момент: если днём мои работы освещало солнце и пигменты работали сами за себя, то вечером они справлялись… с Божьей помощью, не иначе.И да, художники — продолжение картин. Я писала год назад о том, как на Арт России многие авторы были нерадушны, если ты не потенциальный покупатель. Это было напряжно.Когда видна высокая организация и вовлечённость в свой стенд у авторов и галерей — тогда хочется сразу узнавать об этом искусстве и забирать с собой хоть малую часть: открытку, постер, этюд.Теперь про форматы. Если выставляетесь как сообщество — действуйте сообща, учитывая все эти детали. Если на условиях галереи — детально обсуждайте комиссию, оргвзносы, опыт продаж галеристом высокого чека, как будет оформлен стенд и чьё тиражное искусство будет ещё представлено. В первом случае художники берут все расходы на себя, во втором — галерист, и от этого строится комиссия за продажи.Эти мероприятия проходят раз в год (с тенденцией весна-осень). Как много таких возможностей вы готовы продолбать тупо из-за плохой подготовки стенда?Я вот — ни одной.Желаю всем роста и новых, прекрасных выставок!Здесь намного лучше

Мне вчера так удачно задали на лекции вопрос про деньги. Сколько стоит ранний Пикассо. Но стоимость Пикассо вообще величина в другом измерении. Как и арт-рынок с работами Пикассо.А потом я вся такая. В вопросах и ответах приехала заряженная домой. И села пить чай с мужем. И выяснилось, что я на лекции не наговорилась 😹До трех ночи обсуждали экономическую кривую «эффект смерти». И всегда ли хороший художник - мертвый художник. И растут на него цены или падают и в каких случаях.Циничное наше арт-диллерское, про мертвого художника, так закрепилось, кстати. Из-за Винсента. Мол он умер. И вот. Работы стали раскупать, потому что умер. Нуууу. Это тоже шаблонная история и легенда. Все легенды о Винсенте разберем сегодня. Заодно можно меня подробнее порасспрашивать про цену и ценность. Я «не договорила» 😎😹📍ЛЕГЕНДА О ВИНСЕНТЕ - МЕСТ НЕТ28 апреля - вторник (Сегодня!) - 19.00Конец месяца, поэтому есть аж 5 билетов!

Thank you, next Или когда твоё дитя нарисовал провинциальный художник. А ты за это ещё и заплатил.Прилично денег. Это шик. Это шарм. И это тоже срез времени. Покажу вам позже выставку «За пределами учёного искусства». С первого взгляда, скучно и нелепо, но бриллианты среди картин практически неизвестных художников найдены. Как вам такое? Это примерно средина 1830-х, до рождения Клода Моне, а значит переворота в искусстве, ещё добрых 10 лет.

Две фотографии, независимо друг от друга купленные мной с разницей в пару лет у двух разных людей — но с одним ракурсом на Дмитриевскую башню кремляОдна сделана 11 июня 1914 года, другая в конце апреля или начале мая 1951-го (ровно 75 лет назад). Авторы снимков неизвестныИщем отличия 😄Обратите внимание на колёсоотбойные тумбы по сторонам проезда!#забытый1914й

The RenAIssance EditionShopify забавно обыграли AI как «ренессанс»: все обновления платформы показали через эстетику Возрождения. Куча технических пасхалок и метких визуальных метафор. Смотреть обязательно)#визуал #анимацияЛюдочка, референсы – идеи для веб-дизайнеров

#лонгрид: бизнес украшений раскрывая ответ на вопрос: «почему ты как художница решила заниматься бизнесом, что тебе было легко, а что сложно. не каждый художник решается на бизнес»начнём с того, что бизнесом я это начала называть и осознавать совсем недавно. хотя первую пробу сделала почти 3 года назад… многие вещи в жизни я делаю по импульсу — или называйте это интуицией: хочу заняться йогой. надо идти на тичерс. надо поехать туда-то. хочу заняться украшениямиещё одним импульсным моментом было то, что мне самой редко нравились украшения в магазинах. не то чтобы я раньше их носила, но когда на Бали захотелось — всё показалось очень скучным. захотелось чего-то особенного, своегои как это часто бывает — внешний триггер случился случайно: на волейболе девочка сказала, что здесь дёшево делать украшения (уже совсем не так), и я вдруг подумала — а почему бы не придумать свои обручальные кольцаеще один из факторов, который на меня сильно повлиял — это эмиграция и невозможность делать большие работы. первые полтора года (2022 — середина 2023) я переезжала каждые 1,5–2 месяца, в разное жильё и страны. раньше я делала большие инсталляции — и пришлось учиться делать что-то более транспортабельноетак и появилась идея маленьких носибельные скульптуры, которые можно всегда взять с собой — wearable sculpturesеще один важный поворотный момент это сублимация больших перемен в жизни. перенаправила энергию расставания в новый проектпри этом параллельно всегда была моя страсть к моде и коллекционированию вещей. с украшениями я как будто обрела себя и до конца раскрылась в стиле. тут и про смелость сочетаний, и про заигрывание с сексуальностью, и про высказываниемои руки — с ногтями, тату и кольцами — это яи со стилем в одежде стало намного легче экспериментировать, как будто появился якорькогда я поняла, что это уже не хобби: когда начала советоваться с разными людьми о развитии бренда, и мне прямо сказали, что если это бизнес — в него нужно вкладываться. и тогда я взяла кредит на большую партиюэто был довольно чёткий момент перехода конечно, был конфликт «искусство vs бизнес». все эти мысли:— «я продаюсь»— страх упрощения моей основной деятельности— внутренний стыд за «понятность»они, конечно, случались. и довольно регулярносейчас уже не так. сейчас я скорее горжусь собой, что продолжила этот проект, что не сломалась (пока, хах), и продолжаю искать новые способы расширятьсячто сложно:• таблицы, систематизация, ведение отчётов, бизнес-план, стратегические решения• стучаться в одни и те же двери — и после 1/2/3 писем без ответа мотивация резко падает• понимание, что нужно делать более «понятный» контент и • и туда же понятные модели украшений; чтобы от простого вести покупателя к сложному. тут как и с коллекционированием искусства - мало кто купит видео арт сходу, скорее всего он/она начали с графики или живописчто легко:• придумывать идеи, смотреть на материалы непривычной оптикой, общаться с людьми и рассказывать про проект;• снимать контент — думала, что легко, но оказалось нет. пришлось долго вырабатывать свой стиль съёмки при отсутствии бюджета на продакшенкак это отразилось на моём мышлении?стали понятнее многие решения других людей и то, как и почему они так или иначе общаются. было неожиданно обнаружить, что люди в бизнесе более открытые: проще говорят о деньгах, неудачах, принципах. в искусстве часто не так — больше закрытости, больше недосказанности.в целом стало яснее многое в мотивации и поведении людейи, наверное, я всё ещё где-то между — между художницей и тем, кто строит систему вокруг своего высказывания

Про кайфсмотрите со звукомВ апрельском нейроспринте вяжу игрушечные, милые, почти как настоящие продукты. Готовлю их ко дню рождения внучки.🧶 Когда я сажусь вязать, происходит магия. Руки двигаются ритмично, внимание уходит в ощущения, в цвет, в форму. И в этот момент снижается напряжение. 🧶 Получаю удивительную энергию в перерывах между уроками и другими задачами. После таких моментов гораздо легче возвращаться к делам.Потому что внутри уже есть опора. Это про состояние, в котором гораздо легче и спокойней жить и работать.

Как можно визуально спрятать предмет в интерьере?Есть несколько вариантов такого решения. Можно выкрасить предмет в цвет стен. Или использовать другой интересный прием: материал на фоне материала. Для этого нужно выбрать для предмета аналогичный материал отделки стен (например, деревянный стул на фоне деревянного шкафа). Примеры на фотографиях #рекомендации

Есть много на свете вайтбордов, ЗДЕСЬ сделал подборку из 16 сервисов.Но, как бы там ни было, Миро — лучшее что есть, никто не может приблизиться к ним. Не так уж много примеров такого непревзойденного качества, при обилии конкурентов. Разве что Зум приходит в голову. Почему я вновь и вновь возвращаюсь к Миро:1. Работает в РФ. Да, есть нюансы с оплатой, но и бесплатная версия на голову выше альтернатив. 2. Понятно как делить доской, скачивать результаты. 3. Все всегда стабильно работает4. Можно делать стильный дизайн И я ужасно горюю, что в России не работает Падлет. Это было лучшее решение для пользователей, которые не любят онлайн-сервисы. Там все просто и понятно как 5 копеек. Может, вы знаете точный аналог, который работает здесь?#вайтборд@yka_yka

Понятный дизайн это продолжение физического мира. Мы рождаемся с незнанием устройства мира. Поэтому перед тем как с миром взаимодействовать, ребёнок должен понять его основные правила. Нам эти правила кажутся настолько очевидными, фундаментальными, что мы даже вряд ли осознано их выделяем как правила и особенности мира. Например факт, что «обычно вещи не исчезают и не меняют форму при прикосновении» очевиден нам, но не очевиден новорождённому. Он или она должен этому учиться, а уже на этом фундаменте строится всё остальное. Так например базовый факт, что Солнце у нас всегда вверху, влияет на то, как мы видим и распознаём вещи. Попадая в похожую среду (например взяв другой предмет), ребёнок может опереться на уже существующие знания (подтвердив их истинность) и работать с предметом, не открывая фундаментальные законы заново. А если среда новая, с новыми законами, то перед тем как её исследовать, надо понять как она устроена. Из этого делаю вывод и утверждаю, что понятный массовый дизайн должен быть продолжением физического существующего мира. Если мы хотим, чтобы дизайн продукта был понятен, то есть с ним можно было начать работать без серьёзного обучения и фрустрации, то он должен следовать тем же фундаментальным правилам по которым устроен наш мир. Приведу некоторые из этих правил: — Если вещь выглядит как будто ее можно схватить — её можно схватить. Если вещь похожа на вещь, то ею можно манипулировать. Если вещь стукнуть(то есть проманипулировать) — она отреагирует (например сломается или как-то изменится).— Вещи обычно твёрдые. Если вещь куда-то положить, то она там и останется. Есть вещь и есть фон. Вещь движется, а фон нет. Вещь отделима от фона и может исчезнуть (а фон останется). Если вещь отличается от фона или от других вещей — ее проще выделить и найти.— Если вещи похожи — они ведут себя одинаково. Если вещи выглядят разными — они не ведут себя полностью одинаково и чем-то отличаются (внутри или поведением), у отличия есть причина. — Если вещи похожи — они как-то связаны. Если вещи рядом — они тоже как-то связаны.— Если вещь двигается, она скорее всего важная (=опасная). Если вещь незнакомая, она тоже возможно важная (=опасная).— Живые «вещи» двигаются сами по себе. Неживые вещи сами по себе обычно не двигаются. Если вещь кинуть, то она появится в новом месте, но не моментально. — Если вдалеке что-то похоже на вещь, скорее всего это вещь. Когда приближаешься, то вещи становятся больше. Если вещь больше, она ближе или очень большая. Если вещь больше, то скорее всего она тяжелее. Это (неполный) список супер-базовых правил, которые понимает каждый человек в очень раннем детстве. Со временем правила усложняются и ветвяться, появляются множественные «если А, то Б», примечания к правилам, уточнения и т.д. Но в основе именно эти штуки и мы ими оперируем каждую секунду. Так устроен наш мир.Поэтому если мы хотим понятный дизайн, он должен работать по этим же правилам. Какой-то другой мир с другими правилами, например водный у дельфинов, где всё изменчиво, другие правила манипуляции и т.д. — имел бы совсем другой, очень непривычный нам дизайн и интерфейсы.Каждое правило устройства мира из списка выше можно связать с конкретными дизайн-правилами или ошибками дизайна (вывод дизайн-правил из фундаментальных оставляю на пытливых читателей, это достаточно простая задача).(продолжение)

Если бы вы знали, как я люблю комиксы и анимацию, вы бы заплакали. Но моя одержимость проектом «Ателье колдовских колпаков» завязана не только на этой любви.С первых же кадров я провалилась в историю Камомэ Сирахамы, потому что сразу поняла, что для меня ее манга про большее. Она говорит со мной на одном языке. Информации о том, сколько лет мангаке, нет в открытых источниках, но я не проиграю, если поставлю всю свою фандомную коллекцию на то, что Сирахама выросла и впитала в себя лучшее, что дали этому миру «Властелин колец», «Гарри Поттер», Марвел, DC и конечно же Хаяо Миядзаки. Я вижу их в ДНК «колпаков». В концепции, в оптике, в линиях, в персонажах. И они отзываются в моем собственном коде. Они – это то, что меня сформировало и держало на плаву всю мою сознательную жизнь. Дело вовсе не в том, что Сирахама пытается быть на них похожа, не в творческом «укради». Это не делает ее мангу вторичной, как не может быть вторичным ребенок своих родителей. Он безусловное их продолжение, но уже отдельный человек. Так и «колпаки» – это самодостаточный и совершенно прекрасный ребенок Сирахамы и всего, что я люблю. И я напомню, что она в сёнэн-ай/яой теме. Эта женщина по-настоящему шарит. То что она работает с аналоговыми инструментами для меня просто безумие. Когда я думаю о том, сколько сил и времени потребовалось, чтобы достичь ее уровня, у меня нейроны искрят. Но есть еще кое-что, от чего они искрят. Больше комиксов и анимации я люблю людей увлеченных (в самом лучшем из возможных смыслов этого слова). Для меня эта увлеченность и есть настоящая магия. Я верила в это, когда мне было 3, верю и в 30.И потому так сильно во мне отзывается устройство мира «колпаков»: магию может творить каждый. А еще ее рисуют. В глазах Сирахамы то, как она пером рисовала Кифри, который пером рисовал заклинание и творил волшебство, наверняка выглядело круто. В моих глазах уж точно.Меня разнесло на буквы и щепки, как вы могли заметить, после пятой серии аниме, потому что я бесконечно счастлива видеть, как магия «колпаков» не рассеивается, а приумножается. Проект попал в руки увлеченных, как сама Сирахама.Пик реального волшебства – это то, что его творят обычные люди. Через улыбки и слезы, надежды и страхи, связи и одиночество, через боль... Это очень вдумчивая и беспощадно реалистичная романтизация. Мне непонятен концепт кумиров и слепого очарования. Зато понятен концепт человеческого созидания.Поэтому «Ателье колдовских колпаков» для меня про абсолют человеческого созидания, перешедший от поколения к поколению.Говорят, даже отрубленная голова волка кусается. Так вот: если отрубить голову Дине, она еще несколько часов будет рассказывать о проектах, которые любит.Ателье колдовских колпаков

По всем законам жанра, это должен был быть отзыв о книге. О прекрасном в своей легкости и атмосфере «Парижском романе» Рут Рейчел, который для настроения рекомендую вам почитать.Однако одна из важных арок книги дала куда больший импульс, чем могло бы быть.На фото вы видите фрагменты картин, осознанно мною обрезанных так, чтобы в первую очередь вам бросилось в глаза лицо этой женщины.Вы её точно видели.Перед вами Викторина Мёран — любимая натурщица Мане, Дега. Та самая, которая обращает на себя всё внимание в скандальных «Завтраке на траве» и «Олимпии». Та, которая в массовом сознании ассоциируется исключительно с чем-то грязным, порочным. Та, которую провокация Мане легко одарила репутацией куртизанки. И та, которая всю жизнь посвятила искусству.Рассказ о её жизни полумифичен, но лишь в силу того, что многое утеряно, а оставшиеся свидетельства и дневниковые записи принадлежат явно тем, кто особой симпатии к ней не питал. Собственно, эти заметки ставят на ней клеймо, как бы снисходительно говоря: ничего она из себя не представляла без своих именитых покровителей.Но что, если я вам расскажу, что Мёран была хорошей певицей, сама играла на музыкальных инструментах, танцевала канкан и в составе труппы даже приезжала в Америку? Но самое удивительное — она была талантливой художницей. И когда я говорю «талантливой», я имею в виду как раз то, что к живописи она пришла в 26 лет, а буквально спустя пару лет её работы уже принимал Парижский салон. И её картины ценились не за скандальную подоплёку, скрытые смыслы, а за чистый, прекрасный в своей простоте и честности классицизм.Да-да, я знаю, промелькнула у вас мысль: всё понятно, поди, тоже использовала запрещённые, шокирующие темы. Но отбросьте её. Мёран даже приняли в Общество французских художников, а всех подряд туда не пускали.И вроде бы всё взывает к тому, что конец у истории должен быть замечателен. Однако почти никакие её картины не сохранились. То немногое, что уцелело, вы не увидите в знаковых французских музеях.Единственное, что вы точно там увидите, — те самые скандальные полотна Мане.Мне показалось важным поделиться с вами этой историей. Я понимаю, что не смогу повлиять на массовое сознание и стереть стереотипы об этой женщине.Но могу переписать начало поста.Итак, на фото вы видите обрезанные фрагменты картин. Перед вами Викторина Мёран — талантливая художница 19 века.

ТОН-ЦЕНТР, когда паровозы уступили место звукуТОН-ЦЕНТР это мульти функциональное выставочное пространство, которое должно стать ядром будущего культурного квартала и перезагрузить восприятие одного из самых насыщенных транспортных узлов Москвы. Первым публичным событием стала ярмарка графики «Обертон» от Cosmoscow , и именно через неё многие попали сюда впервые.Я пришел сюда в пятницу на концерт ГостЗвука Ильдара Зайнетдинова. И понял, что это место работает не так, как большинство новых культурных точек города.Купол как музыкальный инструментПро акустику здесь говорят все, кто был на концертах. Стандартное круговое депо это кирпичное здание с огромным куполом. Внутри помещение напоминает огромный круглый ангар. Архитектура, спроектированная под паровозный дым и металлический лязг, оказалась неожиданно чуткой к музыке.Звук здесь ведёт себя по-особенному. Он поднимается, собирается под куполом и возвращается уже другим и объёмным. Почти осязаемым. Что-то между сводами старой церкви и промышленным цехом. Это ощущение сложно передать словами, но именно оно делает концертный опыт здесь уникальным. Для фестиваля Тон-фест инженеры ЦЭАМ разработали специальные акустические решения, позволяющие слушателям ощутить архитектуру через звук разной природы. Архитектор с именемЭто первое паровозное депо Москвы, построенное в 1846–1851 годах по проекту Константина Тона автора Большого Кремлёвского дворца, Оружейной палаты и храма Христа Спасителя. Человек, строивший для власти и для Бога, спроектировал и здание для паровозов и ровно эта же архитектурная логика, купольная и центрическая, работает сегодня на звук и на искусство.Дихотомия как контекстЧерез площадь трёх вокзалов ежедневно проходят крупные пассажирские потоки, аэропортовые экспрессы и региональные поезда. Рядом привокзальные магазины, люди с огромными сумками, транзитная Москва в самом неглянцевом своём исполнении.И вот в этом контексте вылизанный зал с перформансами, ярмаркой графики и электроакустическими концертами. Это не ошибка локации. Это, возможно, самое честное и точное высказывание о том, что такое культурная джентрификация в реальном времени. Ты буквально видишь, как два мира сосуществуют и не соединяются. Именно поэтому за ним интересно наблюдать. Получится ли из этого что-то настоящее или красивая оболочка, которая так и не пробьётся через транзитную логику площади трёх вокзалов?

Нашёл в сети картинку про вчера.#графикаЗа счёт чего ловко передано туманное состояние?

Совет для начинающих дизайнеров: не ссатьНу или ссать, но все равно делать. Страх убивает слишком много хороших возможностей и в начале карьеры упустить их будет очень грустно. Да и не только в начале. Я, например, постоянно боюсь, но делаю: боялась вести канал, боялась запускать подкасты, боялась выходить на новую работу, боялась начинать выступать, боялась снимать эти ваши рилсы и боялась создавать свой лекторий. Но, как видите, делала и все получалось круто.Не бойтесь допускать ошибки — ошибаются все, даже мастодонты с опытом больше 10ти лет, потому что все мы люди. Да и вообще, ошибки очень круто стимулируют рост.Не бойтесь спрашивать, даже если кажется, что вопрос глупый. Чем больше узнаешь деталей — тем лучше для тебя. Ну а самый глупый вопрос тот, который ты не задал.Не бойтесь писать крутым дизайнерам или подходить к ним на тусовках. Они тоже люди и тоже были в самом начале, просто чуть меньше боялись и поэтому стали крутыми. Чаще всего это очень душевные, простые и открытые ребята, готовые помочь и подсказать — это я вам зуб даю, я со многими из них общалась.Не бойтесь брать сложные и непонятные задачи в работу. Разберетесь по пути и на них быстрее научитесь (но тут важно помнить про первые два пункта).Не бойтесь делиться своими идеями, мыслями и быть собой. А еще не бойтесь, что куда-то там не успеваете за миром. Все вы успеваете и все у вас будет. Главное — слушайте себя и не предавайте свои принципы.Такие дела, мои чюваки! Как говорил классик: «Главное — не ссать».

когда случится всемирный потоп, картины Репина всплывут, а мы пойдем ко дну

я хожу в творческую лабораторию гоголь-скул и наш мастер Полина как-то сказала: Не упускайте ни единой возможности соприкоснуться с творчеством. А я часто вижу у каких-то классных художниц коллажи, картины, но мне-то куда. Я ж не художница. Стоп, но…Разве для творчества нужно образование? Или специальные знания?Творчество безобидно, мечтания безобидны. Поэтому я поймала гиперфикс на создании диджтл-коллажа. Не что-то гениальное, но на гениальное я и не рассчитывала. Только на творчество и кайф. Вчера был классный закат в Никола-Ленивце [я сейчас здесь]. И в принципе классный день.Поэтому, я с большим удовольствием поигралась в Канве и запечетлила этот кусочек. Коллажи, кстати, занимают значимую часть моей жизни. Лайк, подписка и расскажу, как коллажи использовать в работе [и не только].

Но, к сожалению, нередки истории, когда репетитор превосходит педагога (см. друг из Филармонии). В моей истории были случаи, когда педагоги менялись, а я оставался. Бывало и когда дети уходили из-за несовместимости, самый яркий пример этого зашел в консерваторию без деташе и вышел оттуда без него же (кто к нам без деташе придет, от него же и погибнет (с)), но избежал жесткого психологического конфликта. Ситуация тянитолкая, когда каждый тянет ребенка в свою сторону, мучительна. Ребенок не понимает, что делать, и склонен забить. Поэтому я всегда любил, когда родители были музыканты. Они как-то сразу видели, что к чему и проблем не возникало. Немузыкант вынужден ориентироваться в темноте по косвенным признакам, в основном, чьим-то мнениям, к которым еще нужно подобрать близкий к правде коэффициент деления. Среди педагогов бытует мнение, что все эти смены педагогов, несанкционированное репетиторство, какие-то перекрестные опыления – это крайне неэтично. Но почему-то в этом кодексе цеховой этики не находится места, собственно, ребенку, чья судьба могла бы сложиться иначе. Просто - сложиться. С другой стороны, если представить себе структуру вот таких вот педагогов, которые между собой образуют жюри разных конкурсов и выдают по очереди премии правильным детям, то пазл складывается и начинает сиять солнце счастья – для всех участников процесса, кроме сторонних продвинутых слушателей, которые еще помнят, как оно было. Но да и хрен с ними, с пенсами привередливыми, их время прошло. PS Действительность всегда сложнее любого текста, и не всё так печально, как я тут сгустил. И прекрасные педагоги у нас есть, и дети, захватывающие залы своей игрой, тоже народились. О всеобщей радости будет какой-нибудь другой пост. Когда-нибудь)

Это был один из самых сильных техногенных взрывов в европейской истории до начала ХХ века. В Гааге, Утрехте, Роттердаме — все услышали гром. Стекла в Гааге потрескались (15 километров от Делфта). Взрыв уничтожил около 200 домов. На месте арсенала образовался огромный кратер. Его впоследствии засыпали и превратили в площадь — это нынешний Doelenplein в Делфте. Город горел три дня. Некоторые тела извлекали из-под завалов спустя недели.Мастерская Карела Фабрициуса находилась очень близко к арсеналу. Фабрициуса извлекли из-под завалов еще живым. Ему было всего тридцать два года. Похоронили Фабрициуса в Старой церкви Делфта.Делфт так и не оправился от этой катастрофы. Фабрициус погиб, Эманюэль де Витте (мастер церковных интерьеров) уехал в Амстердам в 1652 году еще до взрыва. Питер де Хох после катастрофы уехал в Амстердам. Ян Стен тоже уехал. Остался один Вермеер. Он будет писать в Делфте все следующие годы — в одиночестве, по две картины в год, для одного покупателя. Потом его похоронят в той же церкви, что и Фабрициуса. Их могилы не сохранятся (кончился срок аренды).Почти все картины Фабрициуса погибли при взрыве. А вот «Щегол» сохранился. В 1865 году Тео Этьен Жозеф Торе (тот самый переоткрыватель Вермеера) — покупает «Щегла». Он узнает Фабрициуса, понимает значение картины и покупает ее для своей коллекции. В XX веке картина становится знаковой работой малого голландского XVII века. Ее регулярно приводят как образец «модернистского» письма у старых мастеров, ее цитируют в книгах об оптике, о натюрморте, о делфтской школе.Но настоящая массовая известность пришла к картине в 2013 году, когда американская писательница Донна Тартт опубликовала роман «Щегол» — историю мальчика, после взрыва в музее в Нью-Йорке (прямая параллель с делфтской катастрофой) уносящего с собой картину Фабрициуса. Роман получил Пулитцеровскую премию 2014 года, разошелся миллионными тиражами. В 2019 году по нему был снят фильм с Энсел Эльгорт и Николь Кидман.После Тартт картина стала символом. Очередь к «Щеглу» в Маурицхейсе сравнима с очередью к «Девушке с жемчужной сережкой». Сувенирные магазины торгуют щеглами на всех носителях. Маленький делфтский щегол, написанный перед гибелью художника, стал сегодня одной из самых узнаваемых картин XVII века.p.s.И про желтую стену на картине «Вид Делфта». Скорее всего Вермеер изображает Делфт уже после катастрофы. Дом с «маленькой желтой стеной» находился метрах в 800 от арсенала. С большой вероятностью этот дом получил серьезные повреждения, но выстоял. Скорее всего, его заново покрасили, чтобы спрятать трещины. Может быть поэтому стена такая яркая — чтобы ее нарисовал Вермеер, а потом описал Пруст.

Ёкнуло!В процессе сбора концепций на глаза часто попадается что-то прекрасное, чем хочется поделиться сразу: знакомьтесь, керамическая плитка Palet, труд голландской студии, которая разрабатывает плитку в индивидуальном дизайне и с минимальным заказом (от 1 кв.м).Но я, признаться, не нашла пока, где и кого заказать эту плитку (сложности логистики).В Pinterest у студии есть свой профиль, делюсь.#комплектация

У меня случился тотальный перегруз системы смыслов, жизненных проектов, искусства, работы, дальнейших планов, поэтому я решила отойти в сторону и понаблюдать. Без активных действий, без суеты, новых планов. Даю себе время восстановиться и включить наблюдателя.Например, изучаю, что для меня tender brutalism в этой точке, сейчас. Вижу, что из tenderness больше тянет во что-то очень простое, чистое и при этом сильное и мощное. В брутальность, сексуальность, вызов. Ищу референсы среди предметов, фильмов, съемок. Например, эта визуальная подборка объектов дизайна очень хорошо резонирует визуальному языку на котором мне хочется говорить дальше. Но именно сейчас не бегу воплощать задуманное, а просто пробую на вкус новые идеи и грани себя. Наш визуальный язык не рождается в один день, мы его накапливаем и переосмысляем. И только когда он в чистом согласии с нами, его также хорошо начинает понимать аудитория. #papier_creative