Арт-критика и теория искусства — страница 6

В апреле у меня получился активный театральный сезон.За последние десять дней была уже на трёх спектаклях, в конце недели — четвёртый.Театр для меня — всегда про встречу с собойОдин из спектаклей стал особенно важным, в нём играла моя Ева. Сидя в зрительном зале, я видела не маленькую девочку, а ту, кто чувствует себя на сцене органично и глубоко. Смотрела и ощущала: насколько важно вовремя увидеть сильные стороны ребёнка, поддерживать их. Именно в них рост 🙏🏻Два часа не отводила глаз.Полный зал, зрители сидели в проходах, крики «браво» в конце, и внутри чувство, которое сложно описать только словами. 💜И гордость, и тепло, и очень личное счастье. В такие моменты становится особенно ясно, как важно дать ребёнку возможность быть собой и идти туда, где ему действительно хочется быть

«Плоть — это причина, по которой масляная краска была изобретена» — говорил Виллем. Даже в его самых абстрактных работах всегда чувствуется объем, материя.Поллок превратил процесс создания картины в перформанс — его холсты стали записью движения. Ротко вообще вышел за рамки картины, создавая среды, в которые зритель погружается целиком.Возможно, именно верность глубинной традиции помогла де Кунингу выстоять, когда абстрактный экспрессионизм начал «стираться» новыми движениями. Его искусство невозможно было окончательно стереть — как тот рисунок, который оставил после себя лишь призрачный след, но при этом стал одним из самых известных произведений ХХ века.#Willem de Kooning #Виллем де Кунинг

Пока смотрела фильм про Люсьена Фрейда и Кейт, вспомнила прекрасную книгу, которую сейчас сложно найти. «Искусство соперничества. Четыре истории о дружбе, предательстве и революционных свершениях в искусстве»,Себастьян Сми.Дега и Мане были лучшими друзьями, пока Дега не написал портрет одиозного Мане с женой Сюзанной, а Мане не искромсал холст ножом в том месте где было лицо жены. (На фото )Фрейд и Бэкон были не разлей вода, два буйных гения пугающего, животного искусства, пока что-то не разлучило их. Какая-то драма, о которой никто из них не хотел говорить. И говорит ли что-нибудь о дружбе Джексона Поллока и Виллема де Кунинга тот факт, что меньше чем через год после гибели Поллока де Кунинг становится любовником Рут Клигман, женщины Поллока?А что значит тот факт, что после смерти Матисса в Пикассо не только продолжал писать «картины-поклонения, отдающие дань Матиссу», но и держал на почетном месте в доме написанный Матиссом портрет дочери, Маргариты (портрет, в который сам Пикассо по слухам, на глазах у того же Матисса метал игрушечные дротики)?Увлекательно очень! Я всегда за контекст личной жизни гениев, вы же знаете.#библиотека

🤔 Зачем следить за американскими наградами в журналистикеВ мае завершается наградной сезон в американской журналистике. Я для себя выделяю пять премий: George Polk Award, Overseas Press Club Award, National Magazine Award, Peabody Award и, конечно, Пулитцеровская премия. В общем, это журналистские Грэмми, Оскар, Золотой глобус, _ваш вариант_. Но сначала я попробую объяснить, зачем вообще следить за американскими премиями в 2026 году, если ты работаешь на русскоязычную аудиторию, потому что у меня есть и доля скепсиса. Две главных причины моей фрустрации — это огромная, нет, огроменная разница в уровне свобод в странах и, что важнее, в бюджетах.Пока российские редакции считают гроши, чтобы отправить журналиста в региональную командировку, какой-нибудь New Yorker может позволить репортерам работать месяцами над одной темой, отправляя их хоть к озеру Чад, хоть на Фолклендские острова. Pulitzer Center еще сверху грантик подкинет.Поэтому че толку смотреть на чьи-то премиальные работы, размах которых тебе априори не повторить.Всё так: у нас меньше денег, меньше времени, возможно, меньше документов вне государственной цензуры и больше риска опиздюлиться в правовом или физическом вариантах.Но для себя я решил, что смотрю на западные работы-победители как на вдохновение и сырье для воровства идей.Например, у многих американских расследований есть повторяемая схема, когда сначала идет частная история, а потом — расширение одного эпизода до системы нарушений. Этот прием доступен как и ProPublica, так и небольшому русскоязычному медиа.Еще я подумал, что мне не хватало таких разборов, когда я учился на журфаке. «Фрэнк Синатра простудился» Тализа и «Хладнокровное убийство» Капоте — это, конечно, хорошо, но хотелось бы знать выдающиеся примеры не только из прошлого века, но и из наших дней.В конце концов, иногда просто полезно чувствовать потолок профессии, чтобы помнить, что считается крутым в глобальном мире, а не только в нашем секторе, где редакционные стандарты, увы, незаметно уползли вниз.Российская журналистика как индустрия в жопе, но все-таки хочется искать глазами свет в конце туннеля. Чето дал лишка пафоса в конце, мда.***В ближайшие дни я начну поштучно разбирать работы, которые были отмечены наградами в этом году.Начну с George Polk Award — эту награду вручает Университет Лонг-Айленда. Жюри премии делает ставку на расследовательскую журналистику и изобличение проблем в системе власти.Будем на связи!

ЖЕСТ ПАТАКА: ЗНАЧЕНИЯЖест руки, демонстрирующий открытую ладонь, часто встречается на скульптурных изображениях божеств и известен как символ предоставления безопасности – abhaya-mudra, букв. “печать безопасности”. В танце, как мы уже видели, такая позиция руки – хаста – называется patāka “флаг”, и оказывается, что кроме “безопасности” у неё есть десятки других значений. Для тех, кто любит конкретику, на карточках приведён подробный перечень этих значений по версии трактата “Абхинаядарпана”.Отметим, что в этом списке на санскрите очень много слов в местном падеже, что типично в ситуации, когда говорится о значении какого-то слова, а в данном случае – жеста. В переводе мы даём слова просто в виде списка, не добавляя каждый раз “в значении …”. Для некоторых многозначных слов приходится давать несколько значений через дробь.В “Натьяшастре” про патаку также можно найти некоторые более сложные дополнительные подробности о связанных с этим жестом движениях. В завершение там говорится, что известны десятки, сотни и даже тысячи ситуаций, которые можно изобразить с помощью этого жеста. А потому понятно, что всех значений никак не перечислить, да и нужно ли?

В день английского языка и Шекспира - воспоминания о моем походе на спектакль «Гамлет». #Literaturematters А не замахнуться ли мне на Вильяма нашего Шекспира?! - подумала я и пошла в театр на «Гамлета» (моноспектакль с Евгением Мироновым и симфоническим оркестром, дирижер Юрий Башмет). Гамлет в исполнении Евгения Миронова (впрочем, как и в исполнении Иннокентия Смоктуновского, Бенедикта Камбербэтча, Владимира Высоцкого, Лоуренса Оливье, Жана-Луи Треньтиньяна и других великолепных актеров) совсем не похож на того Гамлета, которого описал Шекспир. Ведь Шекспировский Гамлет толстый , потный, неуклюжий и неловкий - так говорит о нем его мать. Когда Клавдий обращается к Гертруде с опасением, что Гамлет победит, королева отвечает ему: He's fat and scant of breath (в переводе Пастернака это звучит как “Он дышит тяжело от полноты"), а затем оборачивается к Гамлету и предлагает ему свой платок, чтобы отереть потное лицо. О, да, ведущие шекспироведы вещают нам, что «возможно, слово fat раньше означало нечто другое», или «неизвестно, может быть, это неточный текст», и разнообразные иные, порой совсем уж причудливые, оправдания. Но упрямый факт остаётся фактом - Гамлет толстый, неуклюжий и страдает одышкой. А не совсем не худощавый печальный юноша. А Евгений Миронов, конечно же, ожидаемо прекрасен. Он не так красив, как Оливье; не так элегантен, как Смоктуновский; не так харизматичен, как Высоцкий; не так эротичен, как Трентиньян и не такой отстранённо-интеллектуальный, как Камбербэтч. Его Гамлет простой и понятный, этакий «Гамлет из Соседнего двора». И я ему верю, он запредельно искренний. Такой Гамлет мог бы быть толстым. И потным. И страдать одышкой. И это ровным счетом ничего бы не значило. Потому что в душе он все равно тонкий, звонкий, страдающий юноша. Видео - отрывок из спектакля и разные Гамлеты. Пишите, какого Гамлета любите вы. Предпоследнее видео - тонкий английский юмор. Последнее видео - просто шутка для поднятия настроения (прекрасный фильм «Сватовство гусара»). А то все закончилось плохо, всех убили, и трон датский опустел...#гамлет#шекспир

Выставки искусства могут случаться в самых неожиданных местах, сегодня разбираем бренд, чья маркетинговая стратегия выстроена как целая арт-вселенная. Или это тот самый случай, когда культурные объекты бренда говорят о нем больше, чем сама продукция. Удивительная сценографическая ритейл-стратегия южнокорейского бренда Gentle Monster изумляет. Индустрия оптики уже не ограничивается простым чтением огромных букв ШБ для проверки зрения, как бы это иронично не звучало. Здесь же очки становятся настоящими арт-объектами на одной большой художественной площадке. Флагманский магазин Gentle Monster House Nowhere напоминает музей современного искусства, чей футуристичный подход инсталляций в сочетании с дерзким дизайном очков создает спрос. Флагманские пространства Gentle Monster больше напоминают художественные выставки, чем традиционные магазины. Внутри можно увидеть масштабные инсталляции, кинетические скульптуры, роботизированные объекты и сюрреалистические архитектурные композиции. Можно подумать, что сейчас многие люди едут в Бангкок только ради фотографий с огроменной таксой. Каждый зал бутика выглядит как отдельная экспозиция, а в пространстве что-то движется, светится или механизированно существует. Безусловно, это не может не заворожить зрителя и он обязательно захочет вернуться «поглазеть».Собственно, хорошо это или плохо, когда визуальная реклама затмевает то, что продает бренд? В общем-то ответ прост, конечно это отлично. Такой сценографический ритейл помогает вызвать сильный эмоциональный отклик у зрителя, контент с объектами быстро распространяется в соц сетях, магазин представляет собой культурный арт-кластер. Маркетинг Gentle Monster — целая огромная междисциплинарная платформа, где синтезируются различные медиа: архитектура, искусство и дизайн. Коллаборации у бренда также очень сильная сторона маркетинга. Сотрудничество с люксовыми домами, проекты с авангардными брендами или масштабные поп-культурные коллаборации с артистами. Именно за счет такого арт-подхода бренд пользуется широким спросом у аудитории и продолжает поражать сознание своими придумками. Ждем следующих инсталляционных безумий и пытаемся предугадать, быть может какие-то объекты станут местом для хранения продукции изнутри. Ваш своеобразный КУСТ👁

Можно ли абсолютно раствориться в персонаже: на сцене или в кино? Я как выпускница Щукинской предпочитаю зазор. расстояние между тобой и ролью. Ты рядом с образом,иногда внутри него. Иногда над ним. Иногда- как будто держишь его за руку. Управляешь этим аватаром, если угодно. Да, бывают моменты слияния, когда границы почти стираются. Но до какого-то здорового предела. Всегда!, потому что если совсем исчезнуть- некому будет играть.В кино всё иначе. Там камера ( увеличительное стекло ). Она видит Очень близко.В кино я бы скорее говорила про слияние. Про максимальную точность к тому, что ты проработал: к мыслям, к действиям, к чувствам. театр требует другой выносливости.Там важно распределять себя. Силу. Дыхание. Внимание. От начала и до конца. Потому что бывают спектакли, где ты выходишь-и не уходишь со сцены .Там приходится жить в этом потоке, и контролировать происходящее, и оставлять себе возможность на маленький выдох. На остановку, чтобы не мешать партнёрам, чтобы слышать сцену. Чтобы удерживать персонажа, историю , сцену . У меня был опыт, На съёмках сериала «Бесы» Владимира Ивановича Хотиненко . Мы там партнерствовали с Женей Ткачуком. И я ловила себя на ощущении, что он не выходит из роли. Не «сбрасывает» её между дублями, не оставляет где-то в стороне. Он как будто всё время в этом состоянии,спокойно.Без внешней демонстрации. Но- внутрии.И я смотрела и думала: возможно, это такой способ работы, период, степень честности с ролью, когда ты выбираешь не отпускать.( я тут могу ошибаться,это взгляд со стороны) Нет одного правильного способа. Есть только твоя внутренняя честность, и та дистанция, на которой ты способен не потерять ни роль, ни себя.

Работа Ханса Беллмера "Полукукла" (1972, по оригиналу 1939 года) – объект, в котором художник исследует границы между телом и воображением. Перед нами странный, почти тревожный образ: кукла выглядит взрослой, но сохраняет подчеркнутую детскость – бант на голове вступает в резкий контраст с откровенно эротизированными деталями тела. Ошейник, грудь и лицо формируют дискомфортное поле намёков. Таким образом Беллмер вскрывает механизмы влечения и власти взгляда, превращая куклу в сложный психологический объект. Сегодня эту работу можно увидеть на коллективной выставке "Новые люди: воспоминания о будущем" в New Museum в Нью-Йорке.

Когда я слышу «Он такой творческий! Вечно что-то придумывает», я за это цепляюсь несогласием внутри, потому что для меня творчество – это вообще не про придумывание и фантазию.Для меня творчество – это про реагирование и явление этой реакции через какую-то форму. Творить – это значит явить что-то, что оставило след внутри. И то самое будто бы «новое», «придуманное», «фантазийное» – это узор из тысяч этих следов, реакций и отпечатков, а не сочинение с нуля и не из ничего.Способ обработки и перевода этих внутренних следов в форму – и есть творческий процесс. И способ обработки, как фрактал, – является одновременно сам частью узора и результатом узора.Ещё я считаю, что творчество – это самая откровенная и трепетная вещь на свете, и нет ничего более мужественного и уязвимого, чем являть что-то внутреннее вовне.Мы не хотим быть одиноки, мы выражаем посредством творчества свои миры, чтобы кто-то узнал в нашем мире частички своего внутреннего мира и хотя бы немного выдохнул, почувствовав близость и единение, почувствовав неодиночество.Творец – это автор. Я ставлю между творцом и автором знак равно. И задача творца – не сочинить и выдумать вовсе, а заметить. Заметить то, что замечаешь именно ты. Заметить то ощущение, которое другие, может, тоже чувствуют, но не могут назвать. Заметить боль и красоту. Заметить то, что не замечают другие. Заметить свои реакции и свои внутренние миры и их содержание. Услышать звуки внутри, нащупать, расслышать, прочувствовать и так далее (у всех свои способы).Заметить, а потом … явить.

Так-так-так, давненько я не писала постов о вдохновляющих йогинях. Знакомьтесь: Ванда Скаравелли 1908-1999, занялась йогой в зрелом возрасте и написала одну из самых известных книг о йоге.Вообще-то она была пианисткой из интеллигентной флорентийской семьи. Ее папа Альберто Пассильи стоял у истоков Maggio Musicale Fiorentino, мама еще до Первой мировой получила университетский диплом, на их семейную виллу регулярно заглядывали Тосканини, Хаксли и Феллини. Ванда рано выскочила замуж за профессора философии Луиджи Скаравелли, родила двоих детей.Муж Ванды умер сразу после войны. Чтобы как-то вытащить ее из депрессии, друг семьи Иегуди Менухин познакомил ее с философом Джидду Кришнамурти. А Кришнамурти был другом Кришнамачарьи, а Кришнамачарья прислал во Флоренцию двух своих учеников - Айенгара (обучать интеллигенцию асанам) и Десикачара (обучать их же основам пранаямы). Эти имена сейчас известны любому, кто так или иначе соприкасался с йогой. А в тот момент это были просто два индуса, приехавших в Европу с миссией популяризации йоги.Ванде было около пятидесяти. То есть тот самый возраст, когда приличные люди обычно покупают годовой абонемент в фитнес-клуб, чтобы туда не ходить.Она попала на класс к Айенгару - педанту, чья система выстроена на точности, удержании поз и использовании пропсов. Ванда у него училась несколько лет, а потом, когда Айенгар уехал обратно в Индию, осталась без учителя. Она не стала писать в Пуну покаянных писем с просьбой прислать новые методички, не прилепилась к другому гуру, не поехала за просветлением в ашрам, а просто продолжила практиковать сама.Постепенно она выработала собственный метод, в котором никаких ремней и подпорок нет, а есть три столпа: дыхание, гравитация и позвоночник.Идея простая. Не надо насиловать тело, чтобы загнать его в позу. Надо позволить ему расслабиться и отдать вес земле, и тогда позвоночник сам, как растение, потянется вверх. Никакого насилия, никаких стоек на голове, просто слушай свое тело, оно само тебе все подкажет.Чтобы было понятно, насколько это работало: в конце восьмидесятых, в свои за восемьдесят, Ванда сломала шейку бедра. И полностью восстановилась. После чего продолжила делать прогибы такого уровня, на который мало кто способен в молодом возрасте. В 1991-м, в 83 года, она написала книгу "Пробуждение позвоночника" - тоненькую, с собственными фотографиями вместо схем, без таблиц и приложений. Книга стала классикой йогической литературы.Но самое замечательное, что когда вокруг Ванды образовался круг учеников и они захотели как-то институционализировать учительницу - назвать ее именем новое направление в йоге, открыть школу, выдавать дипломы, - Ванда категорически отказалась от этого.Она считала, что как только появляются дипломы и сертификаты, йога превращается в коммерческое мероприятие.Это, разумеется, не помешало ее предприимчивым последователям пооткрывать по всему миру студии "Йога по методу Скарвелли". Но это уже их персональная карма.Умерла Ванда в возрасте 91 года, в собственном доме на холмах под Фьезоле, среди оливковых деревьев. Она не проводила ретриты за бешенные тысячи, категорически отказывалась сооружать вокруг своего имени иерархическое древо учеников, она просто любила йогу и пыталась показать, что йога - не путь насилия, а путь заботы и любви по отношению к себе и своему телу.Гуру, который не захотел быть гуру. Большая редкость, в общем.Текущие курсы по йоге тут ☄️Всем Сат Нам и отличной практики! 😇

А вот наконец подробности про новый зин, который вышел в CUT Publishing ✔️⬜ Горичева Tribute. Часть 1. КРИК (2026)23 сентября 2025 года в Петербурге умерла Татьяна Горичева — мыслительница мирового масштаба, деятельница советского андеграундного движения, одна из создательниц самиздатовского альманаха «Женщина и Россия» и журнала «Мария» (конец 1970-х – начало 1980-х), зоозащитница, эко-феминистка, христианка. После ее ухода Анна Кузнецова, художница, куратор арт-лаборатории WHITEMOUSE'S art&science, которая близко общалась с Татьяной в Париже и Петербурге в течение нескольких последних лет ее жизни, искала возможность зафиксировать в слове и изображении тот значимый след, который оставил в ноосфере этот мощный дух. Так появился замысел проекта «Горичева Tribute», который задуман как серия изданий и событий, разными средствами отражающих и развивающих идеи Татьяны Горичевой в сфере философии живого и мистической экологии. К инициативе подключилась Дана Макаридина (CUT Publishing), куратор, филолог, издатель, переводчик текстов Эдварда Мунка, художника, расслышавшего «крик природы», который сейчас становится все громче — и дизайнер Ирина Клычникова (Мастерская Бориса Трофимова).▶️ ЛИСТАЛКАПрезентация зина прошла на фестивале «Корешки» в Новосибирске. На зин-выставке в ГПНТБ СО РАН также представлена серия фото-/графических работ Анны Кузнецовой — «Монахиня и ее питомцы» (2021) и «Собака Дана» (2025).#зины@cut_channel

Вчера в канале "Подумалось мне часом" (его легко найти здесь) прочла длинную статью, приведшую меня в уныние. Если коротко, примерно половина топовых книг на автор тудей написаны с помощью ИИ. И написаны так ловко, что я, к примеру, ни в жизнь бы не догалалась, что это творение бездушного алгоритма. Прогресс неумолим и неостановим, это понятно, и ИИ всё больше и больше вторгается в человеческую жизнь. Нужны ли границы? Думаю, обязательно нужны! В творчестве, так сто процентов. Почему читателю честно не говорят, что не человек написал роман? Да, человек придумал сюжет, написал план, потом старательно вычитал, что наваял алгоритм. Но это уже не авторство, а соавторство! И, как написано в статье, читатели, приученные к стилю алгоритма, не захотят читать авторские, чем-то отличные произведения. Тут я категорически не согласна, вернее, надо понимать, что читатели бывают разные. И читаем мы разное. Подумать, развлечься, отвлечься... Но все равно. Немного чувствую себя вымирающим динозавром.

Уильям Тёрнер: художник света Есть художники, которые приручают свет. Тёрнер его выпустил. Он отвязал цвет от обязанности что-либо изображать и позволил ему быть просто светом — бьющим из глубины холста, размывающим контуры, растворяющим тяжесть предметов…

«Дядя», МТЮЗ. Режиссёр Пётр Шерешевский ❤️❤️❤️Шерешевский последние пару сезонов невероятно плодотворен, спектакли выпускает один за другим. В МТЮЗ, где он работает главным режиссёром, идёт 6 его спектаклей, и в мае ждём ещё одну премьеру по «Дон Жуану»; много ставит он в питерском Камерном театре Малыщицкого, куда москвичи ездят в театральные паломничества, да и на других площадках в разных городах страны. И что удивительно, количество не идет в ущерб качеству: из 9 московских спектаклей, которые я видела, ни одного пустого, проходного, неинтересного.Под занавес 2025 года вышел спектакль «Дядя» по пьесе за авторством Семёна Саксеева (драматургический псевдоним режиссёра) и с характерным для Петра Юрьевича подзаголовком: «Как бы по Чехову? Сон в двух действиях». За основу действительно взят хрестоматийный Чехов, но дальше автор пьесы дает себе полную волю.Дядя Ваня тут бывший математик, торгующий помповыми насосами (Игорь Гордин), только он живёт не с матерью, как в первоисточнике, а с сестрой-близняшкой, филологом Марией Петровной Войницкой (Виктория Верберг). Вдовец Серебряков (Игорь Балалаев) тут тоже профессор, но киноведод, на месте и его дочь от первого брака Соня (Марина Гусинская), логопед в детском садике. Спектакль начинается похоронами жены Серебрякова, младшей сестры близнецов Войницких. На похороны приглашены соседи — врач Скорой помощи Астров (Максим Виноградов), бессмысленно и безуспешно пытающийся изобрести лекарство от рака, со своей матерью, простодушной хохотушкой Мариной (Марина Зубанова). И — не приглашена, но присутствует по просьбе профессора — его помощница и сценаристка Елена Андреевна (Полина Одинцова).Я намеренно перечисляю всех актёров этого спектакля, потому что каст тут блестящий, они могут сыграть что угодно: могут говорить о законах термодинамики и молекулярной биологии, о композиторе Мечиславе Вайнберге и фильме Джармуша «Мертвые не умирают», танцевать и петь дурацкие песни — целиком, весь трек, молча есть и курить, варить кофе и играть в приставку — причём всё это со скоростью, как в жизни, то есть очень неспешно, а вам при этом будет интересно за всем этим наблюдать. И черт знает, что они делают на сцене — играют ли, живут ли — но оторваться невозможно.Если вы сидите дальше 5 ряда партера, скорее всего большую часть спектакля смотреть вы будете на гигантский экран над сценой, лишь иногда переводя взгляд на двигающиеся фигурки актёров, при этом, думаю, даже с первых рядов рассмотреть мимику так крупно, как вы увидите её на экране, не получится, поэтому можно смело брать хоть последние ряды. Но у Шерешевского, который не обходится без камер и операторов в своих работах, они тем не менее остаются живым, дышащим, пульсирующим и эмоционально затрагивающим зрителя театром. За любовь к съёмке и камерам режиссёра часто критикуют, обвиняют в превращении театра в киносеанс, но поверьте, я видела столько постановок, сыгранных «вживую» и при этом абсолютно мёртвых, а у Петра Юрьевича и с параллельным экранным действием всё живёт.Спектакль очень плотный, насыщенный цитатами, отсылками, метафорами, аллюзиями, и довольно продолжительный. За 3,5 часа сценического действия, несмотря на интерес и вовлечённость, я изрядно утомилась. И всё ждала, как же выстрелит висящее на стене ружьё. Не может же не выстрелить, ну Чехов же! Громыхнет оно знатно, забрызгав зрителя эмоционально, а актёров — и физически. Выстеклит, красиво закольцевав сюжет. «Добром не кончится, но мы сделаем все что можем» ©📝«ОтражениЯ»📝Поддержать  канал 🤍🌐 Канал в ВК

Увеличение губ в технике «плоский бант» — тренд, с которым я, как врач-косметолог, категорически не согласна.И на это есть объективные причины.🔮 Во-первых, сама форма. Она не физиологична и не держит препарат в тканях. Филлер — пластичный материал, а круговая мышца рта — одна из самых сильных и активных мышц на лице, она задействована в речи, приеме пищи, мимике и тд. В итоге она просто раздавливает форму плоского банта, и результат быстро теряется или деформируется.🔮 Во-вторых, красивая картинка, которую вы видите сразу после процедуры — это, в основном, посттравматический отёк. Он уходит, остаётся совсем не то, на что рассчитывали.🔮 И третье — образ жизни. Курение, активная мимика, особенности прикуса — всё это напрямую влияет на поведение препарата.Важно понимать: с этой формой губ не стоит ждать стабильного и красивого результата. В лучшем случае- временный эффект, в худшем- деформация и разочарование.Кстати, это мои губы на втором фото 4 года назад и спустя пару недель после процедуры🙈 как и всегда пробовала на себе эту технику, мне не зашло…

Хосе-Луис Боке, биограф:«Харви Курцман в каком-то смысле станет его американским аналогом в мире комиксов, ведь именно Курцман создаст журнал MAD. Его европейским эквивалентом будет журнал Pilote, созданный Рене Госинни на рубеже 50–60-х».Куртцман с командой произвели революцию в комиксах и юморе в целом, пародируя зарождающуюся массовую культуру 50-х: кино, телевидение, рекламу — всё становилось объектом насмешки. Их влияние оказалось настолько мощным, что сегодня эти приёмы кажутся чем-то само собой разумеющимся — они стали неотъемлемой частью нашей культуры.Жан-Пьер Дионне, главный редактор Métal Hurlant:«Они вместе с другими художниками делали пародии на всё подряд. Самая известная из них — возможно, та, из-за которой они чуть в своё время не попали в неприятности. Она называлась „Грызун Микки“, где Микки был изображён как жуткая крыса с передними резцами и прочим».Эмар дю Шатене, член института им. Рене Госинни:«Невозможно понять „Астерикса“, „Маленького Николя“ или „Изногуда“, если не читать MAD. В нём — матрица юмора Госинни. Ое начал свою профессиональную карьеру в американских студиях, в частности у Курцмана в Нью-Йорке — в атмосфере MAD». Главным источником пародии для Госинни всегда будет кино — его большая страсть.Фредерик Бонно, директор Французской синематеки:«Режиссёр, которого он лучше всего понимал и пародировал — это Джон Форд. Госинни брал ключевые фордовские темы — переход от отца к сыну, чувство принадлежности чему-то большему — и превращает их в вещи чрезвычайно смешные. И у него не поверхностные пародии, а глубокая переработка самих смыслов.Например, в „Астериксе и Клеопатре“ он выбрал фильм, который подавался как самый дорогой в истории кино. В его рекламе перечислялись годы съёмок, тысячи статистов, миллионы долларов. Госинни пародирует это, заменяя на „потрачено столько-то литров туши, столько-то ластиков“ и так далее».

Художник Сергей Калмыков, о котором я когда-то узнал от Бренера (он начинает с рассказа о С. К. «Жития убиенных художников»), был учеником Петрова-Водкина, жил и работал в Оренбурге, потом в Алматы. Работал интенсивно в разных манерах, утопист, придумщик, собирал работы и тексты регулярно в квадратные альбомы. Его архив огромен от пола до потолка. Мог одновременно вспоминать несколько лет в одном тексте, перепрыгивая. В последние годы (умер он в 1967 году) был алматинским юродивым-художником, ходил в цветастом, рисовал экспрессивно на публике, брызгаясь красками, но всегда точно.Еще в 1920-е он придумал проект «Музея видимых форм», в котором хотел собрать все возможные миллионы комбинаций точек, линий и пересечений. Придумал свой тип абстрактных картин-таблиц.В письме своей подруге Ю. Оболенской, учившейся с ним вместе у Петрова-Водкина, он писал: В зависимости от определяющих элементов Видимых форм, законов, множества одинаково или разно окрашенных точек, линий, поверхностей, объемов и туманностей могут образовать одну видимую точку, или одну видимую линию, или один видимый объем, или одну видимую туманность, или же несколько видимых точек, линий, поверхностей, объемов и туманностей и их сочетания! Таким образом, может получиться ряд бесконечностей (различной степени), стоящих под знаком точки, или под знаком линии, или под знаком плоскости, поверхности, объема или туманности. Мы видим, что даже одна видимая точка способна вызвать в нас длинный ряд размышлений, представлений, образов, и несомненно, этими свойствами видимых знаков может воспользоваться художник. На основании подобной игры воображения и ума может возникнуть особое, небывалое еще до сих пор искусство и живопись, для которой, откровенно говоря, мы затрудняемся даже подыскать более или менее подходящее название. Главным преимуществом подобной живописи или подобного искусства над всеми другими видами обычного искусства, обозначаемыми словом «живопись», надо будет признать, по-видимому, что она наиболее всех других способна будет выразить основное природное свойство свойство всякой вообще живописи — ее гибкость, абстрактность, отвлеченность от всего узкого, земного, материального!

..there is an empty space inside my art

В апреле больше всего на консультации людей с элементом личности Дерево 😊😊и Земля😊😊Эта неделя так вообще без разнообразия, никого кроме Дерева Ян 😊 и Земли Инь 😊Почему так:К ним в апреле, месяце Водного Дракона 😊😊 приходят энергии Богатства 💰Для Земли Инь 😊 и Дерева Инь 😊 пришло 💰Правильное Богатство Для Дерева Ян 😊 и Земли Ян 😊 💰Склонность к Богатству Деньги всегда добавляют активности, хочется что-то предпринять, построить планы, инвестировать. Хочется ясности 💡По этой информации можно заранее понять, с какими элементами личности и какими запросами будет больше людей на консультации в тот или иной месяц. Но вместе с Богатством также приходит усталость, ведь Ресурс находится под контролем денег. Поэтому важно не только работать, ставить планы, что-то делать, но и давать себе достаточное время для восстановления сил. Проверьте свою карту, какие энергии к вам приходят, на чем делать акцент в текущем месяце, году, десятилетнем периоде. Не тратьте энергию понапрасну 🫶🏻

Кукушка — живой символ самой Живы: она приносит весть о жизни, обновлении, судьбе и вечном круговороте природы.Кукушка считается символом богини Живы по нескольким причинам, уходящим корнями в славянскую мифологию и народные поверья.Кукушка — птица, связанная с жизнью и смертьюВ славянских легендах кукушка считалась вещей птицей, которая обладает знанием о жизни и смерти. По её кукованию гадали, сколько лет осталось жить человеку. Считалось, что сама Жива может превращаться в кукушку и прилетать к людям из Ирия — обители богов, чтобы предсказать срок жизни. Отсюда и пошло поверье: «Кукушка-кукушка, сколько мне жить осталось?».Кукушка — посредник между мирамиКукушка, по верованиям славян, могла летать между мирами — Явью (миром живых) и Навью (миром мёртвых). Это делало её идеальным символом Живы, ведь сама богиня олицетворяла не только жизнь, но и постоянное обновление через смерть и возрождение. Кукушка, как и Жива, была связана с цикличностью природы и человеческой судьбы.Кукушка — вестница весны и летаПрилетая весной, кукушка возвещала о приходе тепла, пробуждении природы и начале нового жизненного цикла. Это полностью соответствует функциям Живы как богини весны, плодородия и животворящей силы. В Живин день (1 мая) особенно внимательно прислушивались к кукованию: если кукушка куковала долго и громко, это считалось добрым знаком — предвестником долгой жизни, хорошего урожая и счастья.Легенды о происхождении кукушкиВ некоторых северорусских быличках рассказывается, что кукушка когда-то была женщиной, потерявшей мужа и превратившейся в птицу. Боги позволили ей летать между мирами, но лишили возможности самой растить детей. Эта история подчёркивает двойственность образа: кукушка — и символ материнства/жизни, и вестница разлуки/потери, что перекликается с образом Живы, стоящей на границе жизни и смерти .Обряды и праздникиВ славянской традиции существовали особые обряды, связанные с кукушкой. Например, праздник «Кумление кукушки»(26 мая), когда девушки обменивались лентами и клялись в вечной дружбе, а также гадали на замужество. Кукушку почитали как покровительницу девичьей дружбы и женской судьбы — всё это сферы влияния Живы.#жива #славяне

Термин «климатическая канарейка» (climate canary) отсылает к выражению «канарейка в угольной шахте» — так называют ранний знак надвигающейся катастрофы.В проекте Даниэллы Дулинг каждая птица заключена в природный кристалл. Прозрачные грани многократно отражают образы канареек, всматривающихся вдаль. Эти застывшие птицы внутри геологических форм становятся образом катастрофы, разворачивающейся на уровне материи и времени.Даниэлла Дулинг (США) — «Канарейка», 2023 #antibirds

Первое, что слышит почти каждый, переступая порог Сикстинской Капеллы - это No foto.Фотографировать и снимать видео строго запрещено.⠀Самое интересное - причины послужившие появлению этого запрета исчезли, а сам запрет остался. Попробуем разобраться.⠀В 1990-е годы, во время масштабной реставрации фресок, японская компания Nippon Television Network Corporation выкупила эксклюзивные права на фото- и видеосъёмку процесса работ. Вместе с окончанием работ эти права прекращали действовать.⠀Но запрет на фото в капелле для посетителей остается. Теперь он связан со вспышкой фотоаппаратов, которая объективна несла вред фрескам. Но сегодня вспышка - это уже чуть ли не археологическая редкость.⠀Пленочные фотоаппараты заменили современные смартфоны, а запрет снова остается. Теперь его связывают со святостью самого места.⠀Действительно, именно здесь, под сводами капеллы, проходят конклавы — выборы Папы Римского.Но парадокс в том, что в других священных местах Ватикана съёмка разрешена: и в базилике, и даже в гротах у гробницы апостола Петра. Разве уровень сакральности там ниже?⠀Так в чём же дело?⠀Ответ — в Микеланджело Буонарроти.И — в нас самих.⠀Как только мы достаем смартфоны, их экран заменяет реальность. Мы больше не смотрим на произведение искусства, мы смотрим на эго электронную тень, которая мгновенно создает призму в нашем восприятии.⠀Мы больше не воспринимаем — мы фиксируем.Запускаются другие процессы, мы думаем о свете, композиции, о ракурсе, о том, куда выложим наш кадр.⠀С одной стороны это прекрасно. Мы как бы сами становимся создателями и продолжаем творческую линию автора работы. В какой-то мере мы помогаем разделить талант создателя с потенциально бесконечным количеством людей.⠀Но с фресками Микеланджело это может не сработать.⠀Входя в Сикстинскую капеллу мы больше не зрители, мы внутри произведения искусства.⠀Фрески Микеланджело в Сикстинской Капелле соединяются с архитектурой и буквально накрывают посетителя, превращая его движение в символический путь, который с каждым шагом открывает новые взгляды и новые смыслы.⠀Это опыт прекрасного, и его невозможно заснять, можно только прожить.⠀Поэтому запрет на фото в Сикстинской капелле ничего у нас не отнимает.Он, напротив, возвращает нам редкую привилегию — быть здесь и сейчас, лицом к лицу с гениальным замыслом, полностью изменившим взгляд на человека.

«Низшие твари, которые погружаются в грязь по самые глаза». Так говорил Иероним Босх об утках! Босх считал, что утки греховны по своей природе, потому что живут в грязи и тине. Именно поэтому на картине «Сад земных наслаждений» птицы служат символом человеческих пороков 🦆

Печальная новость постигла меня сегодня утром Уральский рок осиротел. Нет больше Отца Настоятеля. Прекрасно понимаю шок команды - что делать и куда бежать? Любому проекту нужен двигатель. Евгений Львович для своих проектов был всем. Сначала Коляда, теперь Горенбург. Тектонические сдвиги в культуре Урала. Мы не были друзьями и не были врагами, мы были сподвижниками. Каждый в своем. Часто попадали на общие эфиры на ТВ, какие-то культурные события, много раз пытались сделать что-то общее, ни разу не удалось. Конечно, все деньги. То у него не хватало, то у меня.. Но ему было бы обидно, что о нем печальный панегирик.. Расскажу лучше, что среди моих друзей ходил мемас «Пушистый, как Горенбург». Это применимо ко всему, что выдавалось за рамки обыденности. Большой, шикарный, интересный, необычный - короче такой, каким был Е.Л. по-жизни. Разнообразно пушистым. Пусть земля будет пухом, Евгений Львович 🖤

За последние годы в российских музеях обнаружили три неизвестных ранее нидерландских натюрморта XVII-нач. XVIII века. Два из них — «Лавка дичи» (Музей Тропинина) и «Птичий концерт» (НИМ РАХ) — ранние копии с работ известных фламандцев Александра Адрианссена и Пауля де Воса, выполненные в их мастерских. Третий, «Натюрморт с фруктами» (Музей Тропинина), оказался редчайшей картиной Яна Баптиста Форненбюрха — единственной в собраниях России.Все три произведения – реплики с оригиналов художников того времени. Тиражирование композиций было важной стратегией художественного рынка XVII века. Для искусствоведов старые копии ценны, потому что позволяют по-новому взглянуть на хорошо знакомый оригинал. О функциях и тиражировании этих натюрмортов – статья искусствоведа и хранителя нидерландской живописи в Эрмитаже Ирины Соколовой в крайнем выпуске журнала Terra Artis.

🖤 В английской классике довольно часто мы наблюдаем, как герои отправляются любоваться руинами (не говоря уже о том, что они способным вдохновлять, как это случилось с Брэмом Стокером). Что привлекает нас в них? В искусстве и литературе руины олицетворяют течение времени. Они демонстрируют, что даже величайшие достижения человечества подвержены разрушению. Но в руинах есть и нечто бесспорно интригующее и прекрасное. Они побуждают к экзистенциальным размышлениям о быстротечности жизни (и целых эпох), и именно по этой причине поэты и художники всегда были болезненно очарованы руинами. Одно из самых известных стихотворений о силе разрушения и высокомерии человека — это «Озимандия», написанное Перси Шелли в 1817 году.Любование руинами возникло благодаря движению "живописность", достигшего пика во времена Джейн Остин. Леди и джентльмены с альбомами в руках отправлялись в специальные поездки для осмотра старинных развалин. Оно же и послужил сильным толчком к появлению узнаваемых таинственных пейзажей в готической литературе. Естественно мрачные, скалистые, пасторальные и нетронутые пейзажи северной Англии и Шотландии привлекали всё больше люде. Охотники за живописностью начали массово стекаться в Озёрный край, чтобы делать зарисовки. Они были чем-то похожи на охотников на крупную дичь и хвастались своими встречами с дикими пейзажами. Пейзажи хранили в качестве живописных трофеев, чтобы продать или повесить в рамах на стены своих гостиных.

Заметила, что в последнее время лекции искусствоведов и культурологов стали одним из моих любимых форматов взаимодействия с искусством🖌️Вот, например, вчера в Нижнем были на лекции Риммы Газе про Кузьму Петрова-Водкина. Честно говоря, к творчеству художника я была равнодушна, но к концу лекции все мое равнодушие растворилось и даже трансформировалось в желание поизучать жизнь и творчество автора подробнее. Виной тому: А. интересный рассказ лектора (харизма делает свое дело🤝)Б. насыщенная творческая и личная жизнь Петрова-Водкина. А теперь делюсь лайфхаком, как распознать работы художника. Если на картине есть: 1. сферическая перспектива 2. знаменитое трехцветие (красный, синий, желтый)то с вероятностью 99,99% можно заключить, что автором является Петров-Водкин👌

Исключительно радостное событие — опубликовали перевод интервью с Линн Сакс. Оригинал можно прочитать на сайте Санкт-Петербургского международного экспериментального кинофестиваля (SPIEXFF)Где бы ни находились, мы чувствуем родство: нас объединяет любовь к альтернативному, андеграундному, экспериментальному и малобюджетному движущемуся изображению – снятому на пленку, видео или цифру. К счастью, наша готовность поддерживать и отмечать работу друг друга преодолевает границы и позволяет нам действовать вопреки государственным ограничениям и военным конфликтам.(...)Для меня создание фильма всегда связано с эстетическим риском. Я стараюсь для каждой работы выработать новый словарь изображений и звуков. Здесь нет ни шаблона, ни формулы. Сам материал требует особого языка, который поначалу может казаться неясным, но постепенно начинает выстраивать синтаксис отношений, работающий одновременно и на уровне интуиции, и на уровне анализа. В моем фильме «Поворот», например, я попросила шестерых перформеров ходить по рынку и детской площадке в Куинсе, произнося стихи, написанные поэтом Паоло Хавьером. В итоге фильм превращается в своего рода ars poetica/cinematica. Для меня было важно не «переводить» их слова, а отметить само их присутствие – как людей, которые одновременно находятся и внутри, и вне мейнстримного общества.

Доброе 🪽Весь творческий мир с трепетом наблюдает за Миланской неделей. Покажу моего фаворита на данный момент - это инсталляция «Свадьба» от Sten Studio.Это застывший в камне момент, несущий смысл, который длится всю жизнь.Эти скульптуры - не просто символы архаичного ритуала, а своего рода напоминание - настоящая любовь, подобно камню, формируется под давлением и крепнет со временем. Но заметьте присутствие одуванчиков…Дихотомия. Мимолетное, временное и фундаментальное, вечное!Разве не признак гениальности - показать суть и глубину проблем и одновременно окрылить-вдохновить?!Блестящая работа, 👏